Устный журнал к международному дню музыки.
Международный день музыки каждый год отмечается во всем мире 1 октября.
Музыка обладает огромной силой. На свете найдется мало людей, равнодушных к музыке. Многие композиторы пытались выразить через нее состояние своей души. Их великие имена всегда с благодарностью будут произносить потомки. Музыка не стареет, она будет жить столько, сколько будет существовать человек.
Ведь музыка воздействует на восприятие человека, наполняет его эмоциями. Это не только творческое самовыражение композиторов, музыкантов и певцов, на протяжении веков и тысячелетий музыка была неотделимой частью культурной традиции, религиозного обряда и повседневного существования каждого народа. И в настоящее время, к счастью, музыка не утратила своего значения, а напротив — потребность в ней увеличивается.
Свободный доступ ко многим музыкальным произведениям через интернет, современные средства записи и воспроизведения музыки делают ее более доступной, новые возможности мультимедиа позволяют слушать и смотреть выступления музыкантов на более совершенных носителях информации. Все это помогает расширять знания людей (и особенно молодого поколения) о различных культурных средах, пластах, традициях, где музыка обязательно присутствует.
Поэтому Международный день музыки также реализует идею сближения и дружбы между народами, взаимного обогащения культур, ведь язык музыки интернационален и понятен всем, кто чувствует…
Исторический срез «Музыка в потоке времени» открывает устный журнал «Волшебное звучание», подготовленный зав.сектором отраслевой литературы Титовой О.Г.
Музыкальный час «Юбиляры года», подготовленный ведущим библиотекарем БИЦ имени М.В. Ломоносова Березовской Е.А. продолжает устный журнал.
ПРОКОФЬЕВ СЕРГЕЙ СЕРГЕЕВИЧ.
Родился 23 апреля 1891 года, имение Сонцовка, Бахмутский уезд, Екатеринославская губерния (ныне село Красное Красноармейского района Донецкой области, Украина).
В 1909 году окончил Петербургскую консерваторию по классу композиции А. Лядова, по классу инструментовки — Н. Римского-Корсакова и Я. Витола, в 1914 году — по классу фортепиано А. Есиповой, по классу дирижирования — Н. Черепнина. Работал в творческом содружестве с Сергеем Эйзенштейном.
С 1908 года начал концертную деятельность как пианист и дирижёр — исполнитель собственных произведений.
В мае 1918 года выезжает на заграничные гастроли, которые затянулись на восемнадцать лет. Прокофьев гастролировал в Америке, Европе, Японии, на Кубе. В 1927, 1929 и 1932 годах предпринял концертные поездки в СССР. В 1936 году вернулся в СССР вместе с женой-испанкой Линой Кодина, ставшей Прокофьевой (собственно Каролина Кодина-Любера, 1897—1989). Прокофьев с семьей — женой Линой и сыновьями Святославом и Олегом окончательно обосновался в Москве. В дальнейшем он выезжал за границу (в Европу и США) лишь дважды: в сезоне 1936/37 и 1938/39.
С 1941 года жил уже отдельно от семьи, через несколько лет советское правительство объявило его брак недействительным, и без оформления развода 15 января 1948 года композитор официально женился второй раз, женой стала Мира Мендельсон. А первая супруга была арестована в 1948 году и сослана — сначала в Абезь (Коми АССР), затем в мордовские лагеря, откуда вернулась в 1956 году; позднее она сумела выехать из СССР, умерла в возрасте 91 года в Англии в 1989 году.
В 1948 году подвергся разгромной критике за формализм. Его 6-я симфония (1946) и опера «Повесть о настоящем человеке» подверглись резкой критике, как не соответствующие концепции социалистического реализма.
С 1949 года Прокофьев почти не выезжает с дачи, но даже при строжайшем медицинском режиме пишет балет «Каменный цветок», Девятую фортепианную сонату, ораторию «На страже мира» и многое другое. Последним сочинением, которое довелось композитору услышать в концертном зале, стала Седьмая симфония (1952).
Заслуженный деятель искусств РСФСР (1944).
Народный артист РСФСР (1947).
Прокофьев скончался в Москве в коммунальной квартире в Камергерском переулке от гипертонического криза 5 марта 1953 года. Так как он умер в день смерти Сталина, его кончина осталась почти незамеченной, а близкие и коллеги композитора столкнулись в организации похорон с большими трудностями. Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 3).
Автор опер «Маддалена» (1913), «Игрок» (1916), «Любовь к трем апельсинам» (1919), «Семен Котко» (1939), «Обручение в монастыре» (1940), «Война и мир» (2-я ред. — 1952); балетов «Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» (1915-1920), «Стальной скок» (1925), «Блудный сын» (1928), «На Днепре» (1930), «Ромео и Джульетта» (1936), «Золушка» (1944), «Сказ о каменном цветке» (1950); кантаты «Александр Невский», симфонической сказки «Петя и волк», 2 концертов для фортепиано с оркестром (1912, 1913, 2-я редакция 1923).
ЗАХАРОВ ВЛАДИМИР ГРИГОРЬЕВИЧ.
Российский композитор. Хоровой дирижер. Музыкальный деятель.
Народный артист СССР. Лауреат трех Сталинских премий.
________________________________________
Владимир Захаров родился 18 октября 1901 года в городе Донецк, Украина. Отец мальчика являлся рудным мастером. С 1912 года на протяжении девяти лет семья проживала в Таганроге. Учился в гимназии № 2 имени Антона Павловича Чехова и одновременно, с 1916 года в детской музыкальной школе имени Петра Чайковского. Обучался подросток у Валериана Гаэтановича Молла. В период обучения в гимназии пел в хоре, играл в оркестре народных инструментов. До 1921 года выступал как исполнитель на балалайке в оркестре народных инструментов под управлением Василия Хватова.
В 1922 году Захаров поступил в Ростовскую государственную консерваторию имени Сергея Рахманинова. Получив диплом в 1927 году призвался на военную службу. Вернувшись из армии, Владимир Григорьевич работал преподавателем в Ростове-на-Дону. Через два года музыкант переехал в Москву. С 1930 года в течении трех лет работал на Московском радио в качестве редактора и дирижера. В феврале 1932 года Захаров начал руководить хором имени Пятницкого.
С этого времени начинается самая продуктивная творческая деятельность композитора. В эти годы написаны лучшие из его песен, а некоторые из них считались народными: «Провожанье», «Будьте здоровы», «И кто его знает», «Зелеными просторами», «Ой, туманы мои, растуманы».
В 1942 году Захаров получил Государственную премию СССР, а в 1944 году удостоен звания Народного артиста СССР и награжден орденом Ленина.
В послевоенное время Владимир Григорьевич много гастролировал с хором имени Пятницкого по Польше, Румынии, Болгарии, Чехии, Венгрии, Германии, Австрии, Финляндии, Чехословакии. С 1948 года Захаров являлся секретарем и членом правления Союза композиторов СССР.
Скончался Владимир Григорьевич Захаров 13 июля 1956 года в Москве. Похоронен на первом участке Новодевичьего кладбища столицы.
НИКОЛАЙ ГОЛОВАНОВ.
Николай Голованов, дирижер, композитор, пианист, народный артист СССР.
Дирижёр (хоровой, оперный, симфонический), пианист–аккомпаниатор, композитор, педагог, общественный деятель.
Родился 9 января 1891 года в Москве. В 1900–09 годах учился в Синодальном училище церковного пения, по окончании которого стал регентом 1-го разряда. Среди педагогов — B. C. Орлов, А. Д. Кастальский, Н. М. Данилин. В 1912–18 годах преподавал в училище. В 1914 году окончил Московскую консерваторию с малой золотой медалью по классу композиции С. Н. Василенко (дипломная работа — опера–кантата «Принцесса Юрата»). Учился также у А. А. Ильинского, М. М. Ипполитова–Иванова. С 1909 года года выступал как хоровой дирижёр, в том числе, на гастролях за рубежом (с Синодальным хором). В 1910–18 годах — помощник регента Синодального хора. С 1915 года работал в Большом театре: в 1915–19 — помошник хормейстера, в 1919–28, 1930–36 — дирижёр, 1948–53— главный дирижёр. В1919–48 годах (с перерывами) — дирижёр в Оперном театре (студии) им. К. С. Станиславского. Как симфонический дирижёр выступал с оркестрами Большого театра, Московской консерватории, Московской филармонии (1920-е гг.). С 1930 года — главный дирижёр Радиоцентра, возглавлял оперный Радиотеатр; с 1937 — художественный руководитель и главный дирижёр БСО Всесоюзного радиокомитета. Одновременно выступал с Государственным оркестром народных инструментов СССР (1936–47), с Государственным духовым оркестром СССР (1937–40) и др. В обширном репертуаре Голованова–симфонического дирижёра центральное место занимала русская классика, а также произведения современных отечественных композиторов. Среди его исполнительских шедевров — произведения А. П. Бородина, М. И. Глинки, П. И Чайковского, М. П. Мусоргского, Н. А. Римского–Корсакова, А. Н. Скрябина. Первый исполнитель в СССР произведений С. В. Рахманинова: «Три русские песни» (1932), Третья симфония (1943), «Симфонические танцы» (1943); Н. Я. Мясковского: Шестая (1924), Двадцатая (1940) симфонии; С. С. Прокофьева: опера «Любовь к трем апельсинам» (Большой театр, 1927), Пятый концерт для фортепиано с оркестром (1932), Четвертая симфония (1933), Сюита № 1 из балета «Ромео и Джульетта» (1936), «Здравица» (1939); А. И. Хачатуряна: Сюита из балета «Гаянэ» (1943); Т. Н. Хренникова: Вторая симфония (1943) и др. В 1916–43 концертировал как пианист–аккомпаниатор в ансамбле с A. B. Неждановой, И. С. Козловским, М. О. Рейзеном, М. П. Максаковой, Н. Д. Шпиллер.
Композиторское наследие Голованова включает 2 одноактные оперы, симфонию, 2 кантаты, произведения для хора (в том числе свыше 60 духовных сочинений, см.: Н. С. Голованов. Духовные произведения для хора а cappella. М., 2004), симфонического оркестра, для фортепиано (см.: Н.С. Голованов. Соната. Эстампы. М., 2005), для голоса и фортепиано (свыше 140 романсов), свыше 50 обработок песен разных народов. В 1925–29 и 1943–48 — профессор оркестрового и оперного классов Московской консерватории. Среди учеников ассистенты–стажеры Большого театра — Е. Акулов, Г. Зимин, А. Ковалёв, С. Сахаров; в Московской консерватории — Л. Гинзбург, Г. Рождественский, Б. Хайкин в БСО Всесоюзного радиокомитета — К. Иванов. В 1926 году силами студентов оперного класса и студенческого оркестра осуществил в Московской консерваторию первую после Октябрьской революции постановку —опера «Царская невеста» Н. А. Римского–Корсакова.
Сталинские премии СССР (1946,1949,1950,1951, в том числе, за постановки опер «Борис Годунов», 1948; «Садко», 1949; «Хованщина», 1950). Награждён орденами Трудового Красного Знамени (1937), Ленина (1951); медалями: «За оборону Москвы» (1949), «За доблестный труд в годы Великой Отечественной войны 1941–1945 гг.».
КОНСТАНТИН НИКОЛЬСКИЙ.
Российский и советский рок-музыкант, певец, гитарист, автор песен. Яркий представитель российской культуры рока, стал легендой в мире музыки. Его песни знают многие поклонники рока. Никольский – участник многочисленных музыкальных проектов. В шоу-бизнесе Константин смог реализовать много успешных замыслов и идей.
Константин Никольский – москвич. Родился 1 февраля 1951 года. Мальчик полюбил музыку с детских лет, отец не мешал сыну, он всячески содействовал ему развиваться в музыке. Первую гитару они выбирали вместе, поэтому двенадцатилетний ребёнок начал изучать переборы и аккорды. Через 3 года юноша уже умел играть, его амплуа – ритм-гитарист.
Никольский вошёл в группу подростков под названием «Крестоносцы». Начинающие музыканты исполняли музыку «Битлз» и популярной в то время группы «Роллинг Стоунз». Позже из-за своего высокого роста ребята решили переименоваться в «Атланты». Играть приходилось в Домах Культуры и школах.
«Атланты» играли в той аудитории, среди которой находился Андрей Макаревич. Благодаря этому концерту будущий композитор и исполнитель своих песен создал коллектив «Машина времени». Никольский, как и все молодые люди, поступил в институт, чтобы получить высшее образование, но не стал студентом, который радовал бы родителей и педагогов. Как только парня отчислили из института, из военкомата тут же пришла повестка, и Константин пошёл служить в армию. Его часть располагалась в Украине. Песня «Музыкант» появилась у Никольского в этот период оторванности от дома и близких ему людей.
Карьера
Отслужив, Константин собрал товарищей по музыке, вновь образовавшаяся группа называлась «Осколки вертолета Сикорского», парни исполняли старые песни и те, которые Никольский написал в армии. Группа снова стала называться по-другому. Этот коллектив стал называться «Счастливое семейство». Константин вообще перешёл к Стасу Намину. Первая группа распалась, но руководитель от Никольского не отказался, он пригласил его в свой новый коллектив.
Долго Никольский переходил из группы в группу, пока не решил создать свой коллектив – «Воскресение». Музыканты выпустили первую пластинку, но эта группа не просуществовала долго, так как их не приняла публика. Константин снова организовал любителей музыки и выпустил второй альбом. Эта попытка реанимировать музыкальную группу вновь оказалась неудачной.
Константин Никольский даёт концерты перед небольшим количеством зрителей, но это не мешает ему становиться известным и приобретать популярность. Через 6 лет он выпустил первую свою пластинку. Через 4 года вышел в свет его второй альбом, в котором он аранжировал старые композиции. 50-летие Константин отметил рядом концертов и сборником «Музыкант». Композитор и исполнитель стал чувствовать себя плохо и на время не занимался записями своих сборников. Через несколько лет поклонники были счастливы от предложенного им нового диска.
О группе, в которой играл Никольский, и о самом Константине написана книга. Её автор Сергей Миров. Он рассказывает о творчестве музыканта и о его биографии. Певец высказался против произведения, и автор удалил его имя из своей книги. Все, кто писал и пишет о Никольском, наверняка, встречали те титулы, которые присвоены музыканту его поклонниками. Он символ эпохи, он первопроходец отечественного рока. Музыкант по-своему смотрит на современный мир шоу-бизнеса.
Ему кажется, что сейчас стало уменьшаться количество настоящей музыки и честных музыкантов. Константин осваивает Интернет с целью изучения мировой музыки. Журналистов Никольский не жалует. Старается музыкант жить скромно, но любит путешествия по городам России. Из зарубежных стран предпочитает Италию. Поклонники очень счастливы от того, что музыкант до сих пор выступает с концертами и готовит к выходу новую пластинку.
Об одном из самых популярных струнных инструментов узнаете из информ-досье «Скрипка-королева оркестра», который подготовила зав.сектором художественной литературы Герасименко Е.Е.
Скрипка – один из самых популярных и совершенных смычковых струнных инструментов. Невозможно переоценить значение, которое оказал этот инструмент на музыку. Удивительной красоты звучание, богатство исполнительских возможностей, теплый, струящийся тембр позволил ей занять в симфонических оркестрах одно из лидирующих мест. Она широко используется в народной, этнической, сольной музыкальной практике.
Скрипка — один из самых изысканных и утонченных музыкальных инструментов, с чарующим певучим тембром очень похожим на человеческий голос, но в то же время весьма выразительный и виртуозный. Неслучайно именно скрипке отдана роль «королевы оркестра»..
Благодаря разнообразному тембру, скрипку используют для передачи различных настроений и характеров. В современном симфоническом оркестре эти инструменты занимают почти треть состава. Скрипки в оркестре делятся на 2 группы: одна играет верхний голос или мелодию, другая нижний или аккомпанирует. Их называют первыми и вторыми скрипками.
Этот музыкальный инструмент прекрасно звучит и в камерных ансамблях, и в сольном исполнении. Скрипка легко гармонирует с духовыми инструментами, фортепиано и другими струнными. Из ансамблей наиболее распространён струнный квартет, в который входит 2 скрипки, виолончель и альт. Для квартета написано огромное количество произведений разных эпох и стилей.
Почти все гениальные композиторы не обходили скрипку своим вниманием, концерты для скрипки с оркестром сочинили Моцарт, Вивальди, Чайковский, Брамс, Дворжак, Хачатурян, Мендельсон, Сен-Санс, Крейслер, Венявский и многие другие.
В XX веке скрипку стали использовать в разных современных направлениях музыки. Самые ранние упоминания об использования скрипки как сольного инструмента в джазе задокументированы в первых десятилетиях 20 — го века. Одним из первых джазовых скрипачей был Джо Венути, который выступал с известным гитаристом Эдди Лангом.
Конструкция скрипки.
Скрипка собирается из более 70 различных деревянных деталей, но основная трудность изготовления заключается в изгибах и обработке древесины. В одном экземпляре может присутствовать до 6 различных сортов дерева, причем мастера постоянно экспериментировали, применяя все новые варианты – тополь, груша, акация, орех. Лучшим материалом считается дерево, которое выросло в горах, из-за своей устойчивости к перепадам температур и влаги. Струны же, изготавливаются из жил, шелка или металла.
Иногда мастер применяет и иные виды древесины или меняет варианты представленных выше на своё усмотрение.
Немалое значение имеет лак, которым покрываются деревянные детали. Он придаёт изделию оттенок от золотистого до очень тёмного с красноватым или коричневым отблеском. От лака зависит, как долго инструмент «проживёт» и останется ли неизменным его звучание.
Классическая оркестровая скрипка имеет 4 струны: от «баска» (соль малой октавы) до «квинты» (ми второй октавы). В некоторых моделях может добавляться и пятая альтовая струна.
На скрипке обычно играют смычком, кроме приёма pizzicato, который исполняется щипком струны. Смычок имеет деревянное основание и туго натянутый на него конский волос, который перед игрой натирают канифолью. Обычно его длинна 75 см., и весит он 60 грамм.
В настоящее время можно встретить несколько видов этого инструмента – деревянная (акустическая) и электроскрипка, звук которой мы слышим благодаря специальному усилителю. Одно остается неизменным – это удивительно мягкое, певучее и завораживающее своей красотой и мелодичностью звучание этого музыкального инструмента.
История создания скрипки.
До недавнего времени было принято считать прародительницей скрипки виолу, однако доказано, что это два совершенно разных инструмента. Их развитие в XIV-XV веках шло параллельно. Если виола принадлежала к аристократическому сословию, то скрипка вышла из народа. Преимущественно на ней играли крестьяне, бродячие артисты, менестрели.
Этот необычно разнообразный по звучанию инструмент может назвать своими предшественниками: индийскую лиру, польскую скрипицу (ребеку), русскую скрипель, арабский ребаб, британскую кроту, казахский кобыз, испанскую фидель. Все эти инструменты могли быть прародителями скрипки, поскольку каждый из них послужил зарождению семейства струнных и наградил их своими достоинствами.
Введение скрипки в высший свет и причисление к аристократическим инструментам начинается с 1560 года, когда Карл IX заказал у струнного мастера Амати 24 скрипки для своих дворцовых музыкантов. Одна из них сохранилась и по сей день. Эта старейшая скрипка в мире, она так и называется «Карл IX».
Создание скрипок в том виде, в каком мы видим их сейчас, оспаривают два дома: Андреа Амати и Гаспаро де Соло. Некоторые источники утверждают, что пальму первенства нужно отдать Гаспаро Бертолотти (учителю Амати), музыкальные инструменты которого позже были доведены до совершенства домом Амати. Доподлинно известно только, что это произошло в Италии в XVI веке. Их преемниками несколько позднее стали Гварнери и Страдивари, которые немного увеличили размер корпуса скрипки и сделали более крупные отверстия (эфы), для более мощного звучания инструмента.
Интересные факты.
• Первое произведение для скрипки создал в конце 1620 года композитор Марини. Оно носило название «Romanesca per violino solo е basso».
• В январе 2007 года в США решили провести эксперимент, в котором принял участие один из ярчайших исполнителей скрипичной музыки Джошуа Белл. Виртуоз спустился в метро и как обычный уличный музыкант в течение 45 минут играл на скрипке Страдивари. К сожалению, пришлось констатировать, что прохожих не особо заинтересовала гениальная игра скрипача, всех подгоняла суета большого города. Лишь семеро из тысячи, прошедших за это время, обратили внимание на известного музыканта и еще 20 бросили деньги. Всего за это время было заработано 32 $. Обычно концерты Джошуа Белла собирают аншлаги при средней цене билета в 100 долларов.
• Самый большой ансамбль юных скрипачей собирался на стадионе города Чжанхуа (Тайвань) в 2011 году и состоял и 4645 учащихся школ в возрасте от 7 до 15 лет.
• Скрипачи и скрипичные мастера часто стараются создать крохотные инструменты. Так, на юге Китая в городе Гуанджоу была изготовлена мини-скрипка, длиной всего в 1 см. У мастера ушло на это творение 7 лет. Шотландец Дэвид Эдвардс, игравший в национальном оркестре, сделал скрипку в 1,5 см. Эрик Майснер в 1973 году создал инструмент с мелодичным звучанием длиной 4,1 см.
• В мире существуют мастера, изготавливающие скрипки из камня, которые не уступают деревянным аналогам по звучанию. В Швеции скульптору Ларсу Виденфалку во время отделки фасада здания диабазовыми блоками пришла идея сделать из этого камня скрипку, поскольку из-под стамески и молотка вылетали удивительно мелодичные звуки. Он назвал свою каменную скрипку «Чёрный дрозд». Изделие оказалось на удивление ювелирным – толщина стенок резонаторного ящика не превышает 2,5 мм, вес скрипки 2 кг. В Чехии Ян Рерих изготавливает инструменты из мрамора.
• Скрипка стимулирует работу мозга. Этот факт не раз был подтверждён известными учёными, которые умели и с удовольствием играли на скрипке. Так, например, Эйнштейн с шести лет виртуозно играл на этом инструменте. Даже знаменитый Шерлок Холмс (сборный образ) всегда использовал её звуки, когда раздумывал над сложной задачкой.
• Одними из самых сложных для исполнения произведений считаются «Каприсы» Николо Паганини и другие его сочинения, концерты Брамса, Чайковского, Сибелиуса. А также самое мистическое произведение — «Соната дьявола» (1713 год) Дж. Тартини, который сам был виртуозным скрипачом,
• Наиболее ценными в денежном эквиваленте считаются скрипки Гварнери и Страдивари. Самую высокую цену заплатили за скрипку Гварнери «Вьетан» в 2010 году. Она была продана на аукционе в Чикаго за 18 000 000 $. Самой же дорогой скрипкой Страдивари считается «Леди Блант», и продана она была почти за 16 млн. долларов в 2011 году.
• В Германии была создана самая большая скрипка в мире. Её длина 4,2 метра, ширина 1,4 метра, длина смычка 5,2 метра. На ней играют три человека. Такое уникальное творение было создано мастерами из Фогтланда. Этот музыкальный инструмент является масштабной копией скрипки Иоганна Георга II Шонфельдера, которая была изготовлена в конце восемнадцатого века.
• Ванесса Мэй признана самой молодой скрипачкой, записавшей скрипичные концерты Чайковского и Бетховена в возрасте 13 лет. Ванесса-Мэй дебютировала с Лондонским филармоническим оркестром в возрасте 10 лет в 1989 году В возрасте 11 лет она стала самым молодым учеником в Королевском музыкальном колледже.
• Эпизод из оперы «Сказка о царе Салтане» Римского-Корсакова «Полёт шмеля» технически сложен в исполнении и проигрывается на большой скорости. Скрипачи всего мира устраивают соревнования на скорость исполнения этого произведения. Так в 2007 году Д. Гаррет попал в книгу рекордов Гиннеса, исполнив его за 1 минуту и 6,56 секунд. С тех пор многие исполнители стараются обогнать его и получить звание «самого быстрого скрипача в мире». Некоторым удавалось исполнять это произведение быстрее, однако при этом оно сильно теряло в качестве исполнения. Например телеканал «Discovery» считает британца Бен Ли, который исполнил «Полёт шмеля» за 58.51 секунд, самым быстрым не только скрипачом, но и человеком в мире.
Книги о скрипке и скрипачах:
1.Андерсен, Г. Х Всего лишь скрипач / Г. Х. Андерсен. – Москва: Текст, 2001.
Ханс Кристиан Андерсен, прославившийся во всём мире как гениальный сказочник, гораздо менее известен произведениями в других жанрах, а между тем его перу принадлежат романы, пьесы, стихи, путевые заметки. Роман «Всего лишь скрипач» во многом автобиографичен, в Кристиане, одарённом юноше из бедной семьи, нетрудно узнать черты самого Андерсена, хотя герою повезло меньше, чем его создателю: ему не удалось прославиться, и он умер сельским скрипачом. На русском языке роман издавался лишь в пересказе и почти 100 лет назад.
2. Бершидский, Л. Дьявольские трели, или Испытание Страдивари / Леонид Бершидский. – Москва: Эксмо, 2011.
У одного из персонажей книги, скрипача, играющего вторую скрипку в квартете, пропадает скрипка с запутанной и даже мифической историей
3. Вайнер, А. Визит к Минотавру / А. Вайнер, Г. Вайнер. – Москва:Сигма-пресс, 1997.
Знаменитый детектив Братьев Вайнеров, в центре которого – история похищения скрипки Страдивари. Поляков — успешный скрипач. Иконников — скрипач-расстрига, Белаш — несостоявшийся скрипач.
4. Виноградов, А. Осуждение Паганини /Анатолий Виноградов. – Калиниград: Янтарный сказ, 2001.
Паганини… Весь мир застыл перед ним в изумлении, как перед величайшим чудом. Его жизнь и судьба овеяны легендами, ибо чары его музыки, его необычной личности столь мощно действовали на воображение, что оно не могло ограничиться областью реального. Кое-кто готов был заподозрить, что скрипач продал свою душу дьяволу, чтобы мир был у его ног…
Интереснейшая книга А.Виноградова — ученого и прекрасного писателя — дает ответ на многие вопросы, связанные с жизнью и творчеством великого музыканта. Читается она на одном дыхании и предназначена для семейного чтения.
5. Гелинек, Й. Скрипка дьявола / Йозеф Гелинек. – Москва: Иностранка, 2012.
Детектив. Периодически всплывает имя Паганини: легенда о том, что он продал душу ради таланта.
6. Гессе, Г. Гертруда / Герман Гессе. – Москва: АСТ, Астрель, 2010.
Кун, главный герой — композитор и по совместительству скрипач и пианист.
7. Дашевская, Н. Скрипка неизвестного мастера / Нина Дашевская. — Москва: Детгиз, 2016.
Кешка терпеть не может музыку. Из-за неё он разругался со своим лучшим другом, мальчиком по прозвищу Тигр. У Тигра нашли особые музыкальные способности, отдали в музыкальную школу, и он стал ужасно занят. А Кешка остался один. С книгами и математикой. А ведь раньше они всегда и везде вместе! Неужели дружбе конец? В день своего десятилетия Кешка получает неожиданный подарок от дедушки из Америки – скрипку! Кешка и предположить не мог, сколько всего появится в его жизни вместе с этим внезапным наследством. Совсем как в любимых книгах! Новые знакомства, подвиги, приключения и настоящая тайна – история скрипичного мастера и братьев-музыкантов. И, конечно же, – музыка, без которой всего этого бы не произошло. Повесть «Скрипка неизвестного мастера» — лауреат Всероссийского конкурса на лучшее произведение для детей и подростков «Книгуру» в 2013 году.
8. Ким, М. Девушка и скрипка. Жизнь на расстроенных струнах / Мин Ким. – Москва: Livebook, 2018.
Мин Ким — гениальная скрипачка, самый молодой стипендиат Королевского музыкального колледжа и первый лауреат премии Хейфеца. Мемуары Мин Ким – это история человека, наделенного необычайным талантом, но лишенного детства и свободы выбора; человека, который собирает полные залы поклонников, но не умеет отстаивать свою точку зрения. Это уникальная возможность взглянуть на жизнь глазами гения и узнать, что скрывает обратная сторона таланта. Мин выросла в Великобритании в патриархальной корейской семье, чьи обычаи и традиции воспитания сильно повлияли на жизнь и характер девушки. Начала играть на скрипке в шесть лет и быстро добилась огромных успехов, которые только преумножались со временем. В двадцать один год Мин стала обладательницей уникальной скрипки Страдивари 1696 года и поняла, что нашла именно «свой» инструмент. Скрипка стала частью души Мин, лучшим компаньоном в мире музыки. Но спустя десять лет работу великого Страдивари украли. Пронзительная история жизни Мин Ким о том, каково жить с необыкновенным талантом, как жить, потеряв самое главное, и как найти в себе силы снова сказать: «Меня зовут Мин. Я играю на скрипке».
9. Райс, Э Скрипка / Энн Райс. – Москва: Эксмо, 2006.
Главный герой и главная героиня — скрипачи.
10. Тибальди-Кьеза, М. Паганини / Мария Тибальди-Кьеза. – Мосвка: Молодая гвардия, 2008.
Книга вышла в серии «Жизнь замечательных людей». Печатается без купюр и сокращений, что дает возможность читателям еще больше узнать о творчестве скрипача Паганини, жизненных перипетиях и любовных приключениях гениального маэстро. «Такое сочетание колоссального таланта и особых обстоятельств жизни, которые вознесли его на вершину славы, — это единственный случай в истории искусства…»
Замечательное завершение разговора о скрипке — небольшое музыкальное поздравление от артистки РАСО, скрипачки Марии Романюк.
Музыкальная гостиная «Музыка — душа моя», подготовленная гл.библиотекарем БИЦ имени М.В. Ломоносова Легкодимовой М.В продолжает устный журнал «Волшебное звучание».
«Музыка — душа моя»,- сказал однажды мальчик учителю, упрекавшему его за то, что на другой день после одного из домашних музыкальных вечеров он был необычно рассеян и думал вовсе не об уроках.
Речь идет о Мише Глинке, Михаиле Ивановиче Глинке, который учился играть на фортепиано, немного на скрипке, но более всего любил слушать музыку.
Очень бы хотелось, чтобы наши дети также думали и чувствовали — музыка — душа моя!
Музыка. Что значит она в нашей жизни? Что чувствуем мы, слушая различную музыку? Музыка — это целый мир необычных звуков, ярких красок в звучании. Это мир красоты, фантазии и глубоких чувств.
Огромно значение музыкального творчества Глинки для развития русской музыкальной культуры. Он подлинный народный художник, создатель русской классической оперы, гениальный симфонист и мастер малых вокальных форм – романса и песни.
Глинка, выросший в деревенской глуши, в селе Новоспасском Смоленской губернии, с детства был окружён деревенским бытом, народной песней, русской природой, домашними концертами крепостного оркестра. Детские впечатления повлияли на его дальнейшую судьбу. Всю жизнь он с увлечением работает с народной песенной мелодикой, являющейся основой тематизма в его произведениях.
В имении родителей юный Михаил Глинка был окружён любовью и заботой. Большую роль в воспитании мальчика сыграла няня Авдотья Ивановна. Она была мастерица петь песни и рассказывать сказки, которые с особым вниманием слушал будущий композитор. В семье страстно любили музыку. У старшего брата Глинки был свой небольшой театр, у дяди крепостной оркестр, который часто исполнял обработки русских народных песен.
В своём музыкальном творчестве Глинка обращался к различным музыкальным жанрам – опере, романсу, симфоническим произведениям, камерным ансамблям, фортепианным пьесам. Будучи сам прекрасным певцом и вокальным педагогом, Глинка не только стал первым классиком русского романса, но и создателем русской вокальной школы, русского бельканто. Своим первым удачным опытом в области вокального творчества Глинка назвал элегию «Не искушай». Композитору удалось тонко передать мир чувств человека – его разочарованность, любовные сомнения и скрытую надежду.
В 1830 году Глинка с целью обогащения своего слухового опыта музыканта, отправляется в поездку по Германии и Италии. Три года длились его странствия. Поэтичнейшим воспоминанием об Италии, высоким достижением композитора станет романс «Венецианская ночь». Глинка сочинил этот романс под впечатлением от той тёплой осенней ночи, когда он с Фёдором Толстым сидел на балконе в Милане и любовался красотами ночного южного города. Так родился романс, который композитор назвал «Фантазией».
Михаил Иванович был достаточно разносторонней личностью: владел 8 языками. Хорошо рисовал, страстно увлекался географией, изучал античную литературу, историю; был хорошим пианистом, талантливым певцом, фольклористом, этнографом и главное композитором.
Путешествуя по Италии, Глинке пришла мысль о создании настоящей русской национальной оперы. Этой оперой суждено было стать опере «Иван Сусанин». Созданная на исходе пушкинского периода, в пору могучего взлёта русской литературы, она впервые поставила на этот высокий уровень и русскую музыку, придав ей величие общенародного искусства. Жанр оперы – народная музыкальная драма – положил начало целому направлению в русской оперной музыке, к которому прежде всего относятся «Борис Годунов», «Хованщина» М.П. Мусоргского, «Псковитянка» — Римского-Корсакова.
Но века пройдут
И на бедный край
Доля дивная низойдёт.
Там младой певец
В славу Родины
На златых струнах запоёт…
Эти слова звучат в интродукции к опере Глинки «Руслан и Людмила» и по замыслу композитора были посвящены памяти поэта А.С. Пушкина
Глинка и Пушкин – оба, по словам Блока «положили начало тому единому мощному потоку, который несёт на себе драгоценную ношу национальной культуры». Пушкин основоположник русской классической литературы, Глинка – русской классической музыки. Оба певцы красоты и радости жизни, торжества разума, добра и справедливости!
Различны индивидуальности обоих художников, их личные судьбы, условия воспитания, окружение. Но общим для них была любовь ко всему русскому – культуре, природе, народному творчеству, музыкальному искусству.
Общность взглядов повлекло создание 9 романсов на стихи поэта и оперы «Руслан и Людмила».
Слово и музыка – два великих начала, 2 стихии искусства.
Пушкин обладал уникальным даром писать непревзойдённые сочинения. За что бы он не брался, у него получались ритмичные, мелодичные, лирические, одухотворённые произведения. Неслучайно, творения автора пользовались и пользуются до сих пор большой популярностью у композиторов и музыкантов.
Уже при жизни поэта, начиная с 1823 года, было создано более 70 музыкальных произведений на тексты его стихотворений. Сочиняли музыку более 30 современников, среди которых и дилетанты, и профессиональные композиторы: Верстовский, Грилёв, Алябьев.
С произведениями Пушкина работали самые знаменитые музыканты разного времени. Каждый по-своему переосмысливал литературные строки, пытаясь воссоздать в музыке всю сюжетную глубину и драматичность образов. По неточным данным поэтом было создано более 450 произведений. У многих сюжетов числится от 5 до 40 авторов музыки.
Среди русских композиторов 19 века особенно глубоко преклонялся перед творчеством великого поэта П.И. Чайковский. Им на стихи Пушкина были написаны 2 оперы ставшие популярными во всём мире. Это «Евгений Онегин» и «Пиковая дама».
Проходят годы, десятилетия, сменяются века, а прекрасные творения 2 гениев по-прежнему волнуют и вдохновляют, пробуждая добрые чувства в наших сердцах. При именах Пушкин и Глинка нас тотчас осеняет мысль о русском национальном поэте и композиторе, о великих сынах России. В них русская природа, русский язык, русская душа, русский характер.
Слава Великим творцам России!
